Noticias sobre clarinete

Jenny Maclay Clarinete

  • Clarinet Articulation Troubleshooting Guide
    por Jennyclarinet el día 27 febrero 2021 a las 20:00

    Let’s talk about tonguing, shall we? For something so simple in theory, there are certainly quite a few variables which might impede your progress. Articulation on string instruments or the piano can clearly be seen, but it is much more difficult to identify potential articulation issues on wind instrument since we must rely only on what we hear. (Unless you go high-tech and film the inside of your mouth while playing.) If you aren’t satisfied with the quality of your articulation, ask yourself these questions below to see if you can identify possible problems. Más importante, never neglect the quality of your articulation in pursuit of articulation speed. (You might also want to check out my complete guide to clarinet articulation for a more in-depth overview on this subject. Are you using the tip of your tongue to touch the tip of the reed? The reason we want to use the tip of our tongue is to minimize the surface area that touches the reed, which allows for more delicate attacks. We also want to touch the upper tip of the reed because it allows us to temporarily stop the sound (aka tonguing/articulation) by using less pressure. Want to see this in action? Remove the clarinet from your mouth and use your finger to press the reed against the mouthpiece to imitate your tongue. Notice how it requires more pressure the lower down you go? That’s why you should be aiming closer towards the tip of the tongue. Are you using the same part of your tongue to touch the same part of the reed for every single note? If not, your articulation will not sound symmetrical and you run the risk of pops or other unwanted attacks. Are you moving your tongue too far back when not in use? The greater the distance between the tongue and reed, the slower your articulation will be. Are you inadvertently moving your embouchure? An unstable embouchure equals an unstable sound, so check to make sure there is absolutely no excess movement in your chin, jaw, lips, or anywhere else when you are tonguing. Remember, just the tongue should be moving (much easier said than done)! Are you using the best articulation syllable to achieve your musical goals? Every clarinetist has their preferred articulation syllables (tah, tee, tu, doo, dah, dee and a variety of other options), so take some time to see which syllables give you the results you want. (Learn more about what syllables I use and why in my complete guide to clarinet articulation.) Are you maintaining the same quantity and speed of air? In my experience, many tonguing problems have nothing to do with the tongue at all, but are rather a lack of steady air. Try slurring the passage first, then try to recreate the same sound and air flow with the printed articulation. Are you playing with good posture? Make sure you don’t dip your chin towards your chest while you’re playing so you don’t impede your air flow. también, release any tension from your body, whether you’re tonguing or slurring. Are you playing with tension? Locate any tension in your tongue, jaw, embouchure, fingers, arms, back, or anywhere else which might be impeding your articulation improvement. Are you practicing articulation too much? Too much articulation work can quickly deplete physical and mental endurance, so make sure you are productive and efficient during the articulation portion of your practice routine. (For what it’s worth, I spend about 10-15 minutes a day on articulation exercises, but feel free to modify this to fit your schedule.) I hope these tonguing troubleshooting tips help you improve the quality of your articulation! What articulation advice do you have for other clarinetists? PD. You might also be interested in my article on double tonguing for clarinetists. The post Clarinet Articulation Troubleshooting Guide appeared first on Jenny Maclay.

  • Errores de metrónomo que podría estar cometiendo
    por Jennyclarinet el día 8 febrero 2021 a las 17:10

    Al igual que la mayoría de la gente sabe que debe mantenerse hidratada, durmiendo más que 6 horas cada noche, y no subsistir con una gran cantidad de bebidas con cafeína, la mayoría de los músicos saben que probablemente deberían usar un metrónomo cuando practican. Mis alumnos ya saben que soy un poco fanático del metrónomo. El uso regular del metrónomo no solo le ayuda a desarrollar un ritmo estable, pero esta estabilidad rítmica en turnos crea una técnica más precisa. (el ritmo imperfecto conduce a una técnica imperfecta) Si ya has abrazado el poder del metrónomo (bien por usted!), asegúrese de no cometer ninguno de estos errores que podrían disminuir su progreso. Errores de metrónomo que podría estar cometiendo No usarlo. OK, OK, Sé que dijiste que estás usando el metrónomo ... pero ¿realmente estás? Muchos músicos afirman usar un metrónomo cada vez que practican, pero en realidad podría ser más como una vez cada luna azul. No usarlo lo suficiente. Si usa un metrónomo cada vez que practica, ¿Qué porcentaje del tiempo está encendido?? No existe una fórmula mágica para determinar cuánto de su rutina de práctica debe dedicarse al trabajo de metrónomo, pero si solo lo usas 10-20%, probablemente haya margen de mejora. Apagarlo cuando las cosas se ponen difíciles. Cuando la musica se complica, muchos estudiantes apagan el metrónomo para ver si pueden tocar un pasaje correctamente. Esto está bien de vez en cuando, pero una mejor solución es ajustar el metrónomo ralentizando el tempo o agregando subdivisiones para aprender un pasaje con mayor precisión. No poder tocar algo lentamente. Si tuviera una caña por cada vez que un estudiante me dijera "Pero puedo tocarla rápido!"Cuando les pido que prueben un pasaje lentamente, Podría hacer una hoguera. Si no puede tocar un pasaje lentamente con un metrónomo, probablemente no lo esté tocando con mucha precisión a un tempo más rápido (y si tu eres, no tienes la comprensión rítmica para tocar el mismo pasaje más lento). Intentar pasajes más rápido de lo que le permiten sus habilidades técnicas actuales. No hay vergüenza en lento! Nunca toque un pasaje más rápido de lo que puede con una técnica absolutamente impecable. No usar subdivisiones. Imagínese esto: ¿y si le pidiera que ubique el punto medio de un campo grande sin marcas?? Probablemente puedas aproximarlo, pero no sería muy preciso. Ahora imagina que te pedí que hicieras lo mismo, pero esta vez hubo marcas para dividir el campo (¿Por qué crees que usamos yardas en el fútbol americano??). Sería mucho más fácil localizar partes específicas del campo.. Las subdivisiones del metrónomo funcionan de la misma manera: es mucho más fácil colocar cada parte del ritmo exactamente donde debe estar cuando se utilizan las "líneas de yarda". (también conocido como subdivisiones). Sin moverse gradualmente. Uno de los errores de práctica más grandes que veo en los estudiantes es saltar tempos. Muchos estudiantes tocarán un pasaje limpiamente a un tempo más lento., luego salta 40+ clics del metrónomo e intente reproducirlo más rápido. Eso es como ir al gimnasio y comenzar con un entorno fácil ... luego saltar directamente a lo difícil. No escuchar y ajustar. El hecho de que un metrónomo haga clic no significa que esté obteniendo todos los beneficios. Asegúrese de estar escuchando activamente y ajustándose para poder alinearse con el metrónomo si se sale de tiempo.. Nivel de bonificación del metrónomo: Si te sientes bastante bien con tu metrónomo, ¿Por qué no probar una aplicación de metrónomo que omite ritmos aleatorios?? Esta es una excelente manera de probar sus habilidades rítmicas y prepararse para la interpretación.. También puedes consultar estas otras formas en las que puedes seguir mejorando tu ritmo. TIC Tac, tu metrónomo está esperando! La publicación Metronome Mistakes You Might You Might Be Making apareció primero en Jenny Maclay.

  • La evolución del coro de clarinete
    por Jennyclarinet el día 30 enero 2021 a las 13:40

    El clarinete tiene # bendición por tener tantos miembros de su familia, y suceden cosas asombrosas cuando estos instrumentos se combinan para crear un coro de clarinete. A pesar de la gran variedad de clarinetes en diferentes tonalidades a lo largo de su historia, el coro de clarinete tal como lo conocemos es un concepto relativamente nuevo. Vamos a empezar desde el principio. El clarinete fue desarrollado a finales del siglo XVIII por Johann Christoph Denner en Nuremberg., Alemania, y rápidamente ganó tracción como instrumento conjunto y solista. Los primeros clarinetes tenían muy pocas teclas, y, como resultado, no pudimos acceder a todas las firmas de claves. Por ejemplo, para interpretar una pieza en re mayor, los jugadores usarían un clarinete D (u otro clarinete que fuera capaz de reproducir música fácilmente en esta firma clave). A principios del siglo XIX, Ivan Müller (también deletreado Iwan Mueller) creó la clarinette omnitonique, que era capaz de jugar con todas las firmas clave. (Hecho de la diversión: Presentó este clarinete al Conservatorio de París en 1812 para su aprobación, lo que determinaría en gran medida el uso de este instrumento en la escena musical más amplia. El comité rechazó la clarinette omnitonique de Müller, lanzada en si bemol, argumentando que su capacidad para tocar en todas las notas negaría el uso de otros miembros de la familia del clarinete y libraría al mundo de sus voces musicales únicas.. Así que en cierto modo, se utilizó en su contra el mismo problema que había resuelto el clarinete de Müller.) El clarinete de Müller comenzó a ganar popularidad, a pesar del rechazo del Conservatorio de París. sin embargo, El comité no se equivocó del todo en su razonamiento, ya que la clave del clarinete continuó evolucionando., Los clarinetes auxiliares todavía se usaban ampliamente para mostrar sus distinciones tímbricas y tonales únicas.. A finales del siglo XIX, los miembros de la familia del clarinete eran una verdadera colección de animales, y compositores como Richard Strauss y Gustav Mahler los usaron con toda su fuerza en partituras orquestales para crear armonías más complejas y ricas.. Incluso con una amplia variedad de clarinetes a su disposición, los compositores no escribieron música específicamente para lo que etiquetaríamos como coros de clarinete. Algunos, como Anton Stadler (también conocido como "clarinetista de Mozart"), Jacques Jules Bouffil, y otros escribieron para tríos y cuartetos de clarinete, pero estos a menudo estaban destinados a un tipo de clarinete (es decir. cuatro clarinetes en si bemol). El “inventor” del coro de clarinete es considerado el clarinetista-saxofonista belga Gustave Pon, que organizó un grupo de casi 30 clarinetistas en el Conservatorio de Bruselas donde enseñó a finales del siglo XIX. Este grupo rápidamente ganó reconocimiento, y no pasó mucho tiempo hasta que este conjunto viajó al extranjero a Estados Unidos con el coro de clarinete recién formado de Simeon Bellison en 1927. Lo que comenzó como un pequeño grupo creció constantemente hasta llegar casi 80 miembros a mediados del siglo XX. Otras figuras importantes en la historia del coro de clarinete son Lucien Cailliet, Harvey Hermann, David Hite, y muchos otros. La instrumentación estándar para el coro de clarinete incluye clarinete mi bemol, Clarinete si bemol, clarinete alto, clarinete bajo, y contra clarinetes, aunque esto se ha ampliado y puede incluir a cualquier miembro del coro de clarinete. Se considera en gran medida que la edad de oro del coro de clarinete fue durante las décadas de 1950 y 1960., cuando muchas universidades formaron coros de clarinete que actuaron y presentaron en el estado, regional, y conferencias nacionales de música. El crecimiento del coro de clarinete a nivel universitario también fue fomentado por la afluencia de estudiantes universitarios recién matriculados después de la relativa estabilidad económica después de la Segunda Guerra Mundial.. Los programas universitarios de música florecieron cuando las escuelas empezaron a contratar profesores de tiempo completo., artistas intérpretes o ejecutantes, compositores, y otra facultad. Muchos fabricantes de clarinetes promovieron y alentaron el desarrollo de coros de clarinete., ya que ofrecieron a los estudiantes una oportunidad maravillosa para aprender instrumentos auxiliares y convertirse en mejores músicos de conjunto. Se arreglaron nuevas obras, compuesto, y comisionado para el coro de clarinete, y la popularidad de este conjunto siguió creciendo. Ahora, El coro de clarinete es una parte esencial de muchos planes de estudios universitarios de clarinete.. Este conjunto es un lugar común en las conferencias de clarinete., e incluso ha habido un récord mundial Guinness para el conjunto de clarinete más grande (interpretado por 367 clarinetistas en ClarinetFest 2019 en Knoxville, Tennesse). Además del repertorio de obras originales escritas para el coro de clarinete, también hay cientos de arreglos, transcripciones, y otras composiciones que fueron creadas para demostrar las capacidades tonales y técnicas únicas que los clarinetistas pueden producir. El coro de clarinete como lo conocemos acaba de terminar 100 años, y es emocionante pensar qué nuevos desarrollos tendrán lugar en el próximo siglo y más allá! La publicación The Evolution of the Clarinet Choir apareció primero en Jenny Maclay.

  • Directores de banda: ¿Deberían tus clarinetistas hablar doblemente??
    por Jennyclarinet el día 12 enero 2021 a las 15:34

    A lo largo de los años, He enseñado bastantes seccionales y he trabajado con muchos programas escolares de clarinete., y una pregunta común que hacen los directores de banda es si sus clarinetistas deberían hablar doblemente. No hay respuestas definitivas porque depende del nivel de habilidad y el repertorio de su programa de banda., pero aqui estan mis pensamientos: (Descargo de responsabilidad: Estas son mis opiniones como intérprete de clarinete, investigador, y pedagogo. Los directores de banda que leen esto conocen los niveles de habilidad de sus estudiantes y pueden hacer recomendaciones y decisiones específicas basadas en sus músicos.) Si tuviera que dar una respuesta universal, Yo diria que no, No se debe esperar que los clarinetistas doblen la lengua (al menos no en programas de secundaria y preparatoria). Dado que la mayoría de los clarinetistas comienzan a aprender el instrumento alrededor de las edades 10-12, todavía están desarrollando y perfeccionando todos los fundamentos básicos a lo largo de la escuela media y secundaria. La articulación es particularmente difícil de enseñar, ya que no puede observar el funcionamiento interno de la boca para corregir cualquier problema que pueda surgir. Como resultado, muchos clarinetistas son capaces de escabullirse a través de años de banda con la lengua de ancla, respiración de soplo, u otros hábitos de articulación perjudiciales. Incluso los estudiantes avanzados necesitan tiempo para perfeccionar la calidad de su articulación antes de aumentar la velocidad.. La lengua doble es una técnica muy avanzada que lleva muchos meses comprometidos. (si no años) de práctica dedicada para desarrollar y perfeccionar, y pedirle a los clarinetistas de la escuela intermedia o secundaria que usen esta técnica es como pedirles a los niños pequeños que corran antes de que puedan caminar. Entiendo que una cantidad significativa de repertorio conjunto requiere una articulación rápida, y puede ser tentador animar a los clarinetistas a que doblen la lengua (especialmente si tus flautas, trompetas, u otros instrumentos están usando esta técnica), pero creo que es importante para los estudiantes de clarinete establecer los fundamentos adecuados y razonables (soltero) velocidad de articulación antes de embarcarse en sus viajes técnicos extendidos. Mientras los clarinetistas están construyendo su velocidad de lengua única, puedes cambiar el patrón de articulación (insulto dos, lengua dos u otros patrones similares) para ayudar a imitar el efecto de una lengua más rápida. Espero que esto ayude a responder cualquier pregunta que tenga, y agradecería sus opiniones sobre el tema en los comentarios. PD. Aquí está mi guía completa para la articulación del clarinete para ayudar a sus clarinetistas a construir una base sólida.. Los directores de la banda de correos: ¿Deberían tus clarinetistas hablar doblemente?? apareció primero en Jenny Maclay.

  • Cómo rockear tu audición virtual
    por Jennyclarinet el día 6 enero 2021 a las 14:29

    Otra temporada de audiciones está sobre nosotros, y esta probablemente se verá muy diferente a muchas de las audiciones anteriores que ha realizado! Incluso si conoce Zoom, Skype, FaceTime, y la multitud de otras plataformas esenciales el año pasado, una audición virtual es mucha más presión que una clase o reunión promedio, por eso estoy aquí para ayudar! He realizado y adjudicado varias audiciones y entrevistas virtuales., y aquí están mis mejores consejos para que puedas concentrarte en la música y rockear tu audición: Asegúrate de tener la información técnica. Hay pocas cosas peores que buscar frenéticamente en su bandeja de entrada antes de una audición para intentar encontrar el enlace y la contraseña de la reunión.. El día antes de tu audición, asegúrese de haber marcado el correo electrónico que contiene toda la información relevante que necesitará para evitar cualquier confusión de última hora. Verifica tu configuración. Asegúrate de usar un sonido óptimo, Encendiendo, y cualquier otra configuración antes de tu audición. Asegúrese de que su dispositivo esté emparejado con micrófonos, cámaras web, auriculares, interfaces de audio, o cualquier otro equipo que planee usar durante la audición. (Este también es un buen momento para deshacerse de los fondos virtuales que podría haber estado usando mientras pasaba el rato con amigos.) Hacer una prueba. La mayoría de las plataformas de video le permiten realizar pruebas para verificar la configuración, así que aproveche esto como una oportunidad para asegurarse de que todo funcione sin problemas. Prepara el "escenario". Mientras haces una prueba, mira el trasfondo que verán los jueces durante tu audición. Ordene su espacio para que el panel pueda enfocarse en usted y no en el fondo desordenado. Vestirse para el éxito. Lucha contra la tentación de combinar tu camiseta profesional con tu ropa de estar más acogedora! Durante las audiciones virtuales, Podrías estar sentado y de pie, y no quieres que los jueces vean tus pantalones de pijama con estampado de dibujos animados mientras estás actuando. Revisa tu perfil. Asegúrate de usar un nombre de usuario profesional., foto de perfil, y bio / sobre mi. también, si el panel de audición iniciará sesión en su reunión virtual, asegúrese de tener una contraseña profesional (y no olvide enviarles la contraseña y cualquier otra información relevante). Informe a sus amigos y familiares cuándo hará la audición. Avise a todos en su apartamento / casa / habitación para saber cuándo y dónde hará la audición para evitar interrupciones no deseadas.. (Consejo profesional: Si tienes mascotas, asegúrese de que estén en un lugar donde no intentarán robar el espectáculo.) Pon tus dispositivos en silencio. Ya sea que esté realizando IRL o virtualmente, siempre parece haber algún tipo de interrupción del teléfono celular, que probablemente nunca cambiará! Prima: Si quieres mejorar la calidad de tu audio, comprar o pedir prestado un micrófono de alta calidad. Hay tantas opciones asequibles por ahí, y puede marcar una gran diferencia a largo plazo. Si no está buscando comprar, mira si alguien en tu estudio te presta el suyo (asegurándose de practicar las pautas de seguridad y el distanciamiento social, obviamente). Mucha suerte durante su próxima audición virtual! PD. Si vas a hacer audiciones en vivo, asegúrese de revisar mi preparación para la audición y listas de empaque. La publicación How to rock your virtual audition apareció primero en Jenny Maclay.

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